Las castañuelas y los crótalos..

Las castañuelas son un instrumento de percusión cuyo origen se remonta a los fenicios (año 1.000 A.C.). Parecen derivarse de los antiguos crótalos, de mayor tamaño que las castañuelas de hoy, de metal, barro cocido o madera y enlazados por un cordel o cinta. España ha sido el país que ha conservado y desarrollado su uso desde entonces, hasta convertirse en patrimonio cultural español. Casi todas las regiones españolas tienen sus castañuelas tradicionales.

En Andalucía, se las llama palillos, pero reciben otros nombres, como castañetas, castañueles, terrañueles, castañeta, castañetas y castañolas, en euskera por ejemplo se nombran kriskitin, Las Tarrañolas es el nombre popular que se utiliza para para denominar a las castañuelas en gran parte de la zona occidental de la península ibérica en un territorio que comprendería cási lo que hoy conocemos como Galicia y una estrecha franja de Asturias pasando a denominarse Tarrañueles y Tarrañuelas en Cantabria.Actualmente y para diferenciar las castañuelas son compuestas por dos piezas más o menos redondeadas atadas a los dedos y a aquéllas compuestas por dos tablillas que se interponen entre entre los dedos medios de la mano, TARRAÑUELAS, aunque las dos formas del instrumento reciben indiferentemente una u otra denominación y los nombres solo obedecen a reglas de la moda.

Ustedes pensarán a estas alturas, que tienen que ver las castañuelas con la música árabe o porque tantas especificaciones en torno a las castañuelas, pues bien, las castañuelas son una variante de los crótalos, chnchines o cimbalillos, esos platillos metálicos que aún hoy, se tocan al ejecutar música árabe o que las bailarinas expertas usan para aodrnar sus bailes y resaltar los ritmos, tal como lo hacen las bailarinas en la música española.

Así tenemos que los crótalos en un principio se hacían de diversos materiales, existen por ejemplo referencias del Egipto Nuevo donde ya se utilizaban los crótalos, aunque con una forma un tanto diferente, de configuración alargada, imitando con frecuencia la forma de un antebrazo, con una estilizada mano en el extremo. Era frecuente que presentaran la forma de disco o plato y, en general, se hacían de metal, de cerámica, o mediante dos conchas naturales. Al ser dos piezas iguales e independientes cuyos diámetros pueden variar desde el de un plato de vajilla ordinario hasta unos pocos centímetros, se utilizan distintos mecanismos de sujeción, emplazados en la cara convexa, y que sirven, a la vez, para que el instrumentista los pueda accionar. En el caso de los címbalos de tamaño reducido, se disponen sendas pequeñas cintas que se atan a los dedos (pulgar e índice, o pulgar y mayor); y para los de tamaño semejante a un plato, la sujeción suele consistir en unas asas solidarias al instrumento.

Sobre la etimología término crótalos está un derivado latino, crotalum, del vocablo original griego jrótalon (forma fonética aproximada adaptada a los caracteres occidentales). En castellano, este vocablo se vino utilizando como palabra arcaica hasta 1843 año en que la Academia lo adopta con el significado de "especie de castañuelas". Respecto al término címbalo, se deriva del vocablo latino cimbalum, del griego kimbalon. Este término ha pasado, a partir de los inicios de la Edad Moderna, como sufijo, de la denominación de algunos instrumentos de tecla (clave), especialmente los de cuerda pinzada, es decir, de la familia de los clavicémbalos.

Respecto a los crótalos, hay otras palabras en castellano que se relacionan con ella. Por ejemplo, crotalogía, que Juan Fernández de Rojas utilizó en el título de su trabajo Crotalogía o ciencia de las castañuelas (1792). El nombre científico de la serpiente de cascabel, procedente también del latín, crotalus hórridus, alude a los discos de la cola que, al chocar, emiten un sonido característico.

En cuanto las castañuelas, el origen etimológico no está claro, algunos especialistas aluden al material del que están hechas, es decir, a la madera con que se solían hacer, la de castaño, aunque, en general, siempre se han buscado maderas más duras, como el nogal o el boj, y también el ébano. Otras interpretaciones, en cambio, se basan más en el color u otras características, como la forma, relacionando el nombre con el perfil o el aspecto de ambas piezas del instrumento, que podrían resultar.

En la antigüedad, crótalos y castañuelas eran tratados como un mismo instrumento donde la variación estaba en el material del que estaban hechos no en su nombre, con el tiempo, la diferenciación se hizo presente, quedandose el nombre de castañuelas para los instrumentos de madera y de crótalos para los de metal aunque cabe anotar que en Turquía se utilizan aún un par de cucharas de madera que cumplen la función de los crótalos en la danza árabe.

Bibliografía:

Esbozo para una historia de las castañuelas. http://www.mundoclasico.com/2009/documentos/doc-ver.aspx?id=0003838

http://www.celtiberia.net/verrespuesta.asp?idp=5707

Caramel

Caramel (2008), película libanesa.

(Zukart Banat, en árabe)

Dirección: Nadine Labaki.Países: Francia y Líbano.Año: 2007.Duración: 96 min.Género: Comedia dramática.Interpretación: Nadine Labaki (Layale), Yasmine Al Masri (Nisrine), Joanna Moukarzel (Rima), Gisèle Aouad (Jamale), Adel Karam (Youssef), Siham Haddad (Rose), Aziza Semaan (Lili), Fatme Safa (Siham), Dimitri Stancofski (Charles), Fadia Stella (Christine), Ismail Antar (Bassam).Guión: Nadine Labaki, Jihad Hojeily y Rodney Al Haddad.Producción: Anne-Dominique Toussaint.Música: Khaled Mouzanar.Fotografía: Yves Sehnaoui.Montaje: Laure Gardette.Diseño de producción: Cynthia Zahar.Vestuario: Caroline Labaki.Estreno en Francia: 15 Agosto 2007.Estreno en España: 18 Enero 2008.

SINOPSIS
En Beirut, cinco mujeres se reúnen en un salón de belleza, un microcosmos altamente colorista y sensual. Layale ama a Rabih, pero es un hombre casado. Nisrine es musulmana y tiene un problema de cara a su próxima boda: ya no es virgen. Rima está atormentada porque se siente atraída por las mujeres. Jamale se resiste a envejecer. Rose se ha sacrificado por cuidar de su hermana mayor. En el salón de belleza, los hombres, el sexo y la maternidad se sitúan en el centro de sus conversaciones íntimas y liberadas, entre cortes de pelo y depilación con una pasta caramelizada de azúcar, agua y limón.
Comentario, publicado en El Fauno.

Caramel es una pequeña joya que vale la pena descubrir. Y como tal, tiene mucha riqueza en su interior. Entre otras cosas, algo que destaca por encima de todo es su sencilla, eficaz y hermosa banda sonora. Unos cortes que normalmente se estructuran en torno a unas cuantas variantes con una melancolía muy marcada, versionándola de distinta forma, ya sea a piano, orquestal o mediante instrumentos de cuerda. Mouzanar conoce perfectamente el universo visual e íntimo de la película en la que esta inmiscuido y crea unos cortes sorprendentemente bellos, simples si, pero al fin y al cabo bellos, que otorgan a la cinta un aura de tristeza que hace de contrapunto al aroma dulce y tierno que empapa el metraje.
Los dos cortes que he seleccionado son, en primer lugar, el track con el que comienza la película, uno de los ejes centrales de la banda sonora, y uno de los leitmotivs de la composición y por otro lado, otra de las canciones que más se repite a lo largo de los momentos musicalizados del film, en el que Nadine otorga un momento contemplativo y reflexivo a sus personajes para, mediante la ayuda de la música, otorgar una atmosfera personal y particular a su película. Mouzanar hace uso del piano, punteos de guitarras y suaves violines. Nada estridente, ni recargado. Pero tampoco pecando de una sobriedad excesiva como a mi parecer si le sucedió a la composición de Gustavo Santaolalla para Babel, cuyos largos e interminables punteos de guitarra resultaban hasta cierto punto insoportables, desde mi humilde punto de vista claro.
Por otro lado, Mouzanar también toma prestadas las melodias de algunas canciones de Racha Rizk, que también estan presentes en la banda sonora original de la película, para incluirlas también en algunos cortes, y resulta por tanto sorprendente cuando de repente la melodia que ya habíamos oido repentinamente cobra voz y letra, resaltando la importancia del momento elegido para situar esa canción.
En fin, una banda sonora hermosa, que posee la extraña cualidad de poder escucharse de manera independiente a la película y seguir siendo totalmente eficaz y disfrutable, demostrando su gran virtud y acierto. Una adquisición muy recomendable, tanto para el coleccionista avezado como para el oyente ocasional.

Tracks:
01. Tango El Caramel 02. Revelations Mineures 03. Succar Ya Banat 04. Epilation En Do Mineur 05. Lili-Rose 06. Shampooing Revelateur 1 07. L'eveil De Rose 08. Le Tango De Youssef 09. Rose Se Décide 10. Zaghloul El Hamam 11. Shampooing Revelateur 2 12. Cicatrices 13. Kanun El Parking 14. Rendez-Vous Manques 15. Mreyte Ya Mreyte

http://www.4shared.com/file/52083060/fa1ade91/01_Tango_El_Caramel.html

http://www.4shared.com/file/52083856/364779df/10_Zaghloul_El_Hamam.html

http://www.4shared.com/file/52083858/d1ff54d8/02_Revelations_Mineures.html

http://www.4shared.com/file/52083059/a8eb35f6/08_Le_Tango_De_Youssef.html

http://www.4shared.com/file/52083855/af4e2865/11_Shampooing_Revelateur_2.html

Música clásica contemporánea egipcia.

La Música Árabe


La Música PopularLa "música clásica" contemporánea egipcia

Incluimos en esta sección este arte, ya que es la expresión artística que más extensión ha tenido en el mundo árabe. Por otro lado, acuñamos el término entre comillas, ya que a pesar de que los intérpretes de esta música se formaron en la escuela que bebía de las formas creadas por toda la tradición culta árabe, la composición de sus canciones se orientó en la mayoría de los casos a una conseguir un público lo más amplio posible, siempre con vistas comerciales y en ocasiones políticas.

Los fundadores de este estilo fueron Abd el Wahab y Oum Kalsoum. Se les consideraba al uno modernista y a la otra tradicionalista, pero en realidad eran simples posturas estéticas, pues ambos demostraron que continuar la tradición de la Nahda no satisfacía la sed de novedades de una nación en expansión. Ambos tuvieron una formación similar, siendo los dos niños prodigio en la interpretación del repertorio clásico. Adoptaron el nuevo concepto de composición, una síntesis de la wasla y de las taqtuqas de los años treinta. Con ellos el tajt se convirtió en la orquesta oriental, con la introducción de una sección ampila de violines, otra de violloncellos y el contrabajo. A Abd el Wahab se le atribuye introducir numerosas frases melódicas de la música clásica europea ( Verdi, Bizet, Beethoven ) y ser el primer cantante carismático que conoció Egipto. Oum Kalsoum fue una mujer símbolo de su siglo por su perfecta conducta moral, su saber hacer de mujer de mundo y por el apoyo que demostró, al igual que su colega, al gobierno de Nasser. Nunca renegó de sus raíces rurales y fue indestronable desde 1930 hasta su muerte en 1975, en cuyo entierro hubieron escenas de desbordamiento de la histeria colectiva.

Ambos fueron actores en multitud de películas, pero fue Farid el Atrash quien encontró su fama gracias a este medio. Él introdujo novedades en la música, tales como la de estribillos levantinos o fórmulas rítmicas y melódicas de la música popular de principio de siglo. Característico suyo era también añadir una sección semiimprovi-sada en el curso de la canción, así como la composición de tangos y sambas al estilo egipcio, que continuaban el sueño de Abd el Wahab del encuentro entre Oriente y Occidente. Deesta misma hornada salió el apuesto Abd el Halim Hafez de voz gravey aterciopelada que adaptó el mito Sinatra al mundo árabe y dejó grabaciones legendarias.

Para compensar la música de género ligero que se estaba haciendo en el cine surgió la canción larga, creada casi exclusivamente para la figura de Oum Kalsoum, y aprovechándola a la vez. Se pretendía englobar todas las formas de la wasla en un sólo género, de lo que resultó esta "canción larga", que duraba una hora o más. Surgieron entonces dos parejas de poeta-compositor, que compondrían estas canciones para la cantante. Estas fueron la primera tendencia de Bayram al Tunisi con Zakkariya Ahmad hasta 1947, que retomaba el tarab con un toque popular en la letra, y la de Ahmad Rami con Riyad al Sunbati, que fueron compositores de Kalsoum hasta su muerte.
Con Sunbati surgió una nueva tendencia, en la que los arraglos orquestales estaban cada vez más trabajados y se volvían a conceder partes de solo a los virtuosos del instrumento. La técnica vocal evolucionó a una mayor sencillez para hacerla más entendible, siendo esto más marcado en los hombres, con una intención de austeridad. Así, durante los años cincuenta y sesenta se fue creando una forma que constaba de una introducción instrumental para cada una de las tres o cuatro estrofas que se fundían en un estribillo. Tenía tambien "zonas de variación" en las que la cantante podía expalyarse o no según el momento de inspiración. Las melodías fueron evolucionando con el concepto de collage modal, en el que se iban intercambiando de la forma más natural posible unos modos con otros, frente a la explotación de las posibilidades de un sólo modo, que era la técnica compositiva de la Nahda. Tambien se amplió a finales de los sesenta la orquesta, con la intoducción de la guitarra eléctrica, el teclado eléctrico, un acordeón que pudiera dar las notas de cuarto de tono, metales y percusiones como la darbuka y el duff. Con estas últimas se introdujeron también, de la mano de Abd el Wahab, pasajes sincopoados de percusión y partes reservadas a la danza.

A finales de los años setenta asistimos a un pequeño renacimiento e imitación de esta música, representado por cantantes como Nagat, Fayza Ahmad o Warda, que incorporan una mayor variedad y fuerza rítmica a las canciones , pero también una simplificación de la melodía en muchos casos para conseguir un buen mercado. Tambien existen algunos alardes experimentales que no llegan a cuajar del todo, dando paso en las últimas décadas a producciones que utlizan ritmos programados y sintetizadores, eso sí, siempre con algunos aciertos. Cabe señalar al ahora en voga intérprete de darbuka Hossam Ramzy, que ha hecho buenas grabaciones de música instrumental para danza del vientre.

Artículo escrito por: Álvaro Martínez León
Recopilado por la autora de este blog.

http://www.4shared.com/file/57015304/d328115d/06_Baladi-Malfuf.html

http://www.4shared.com/file/52083856/364779df/10_Zaghloul_El_Hamam.html

Percusiones.

La Música Árabe
Por Álvaro Martínez León

Los Instrumentos Percusión

El instrumento de percusión más común es el pandero, que recibe el nombre de duff o daff, taar o bendir. Existe en gran cantidad de tamaños ( de hasta casi un metro de diámetro ) y, aunque suele ser de forma circular, también los hay cuadrados y romboidales. Algunos son afinables y muchos suelen llevar sonajas metálicas. Otro instrumento muy común es el tabl o tabla, utilizado sobre todo en fiestas. Suele ser de madera, tener un metro de diámetro aproximadamente y produce un sonido muy grave. Por último, tenemos la darbuka o derbake, que es tan utilizada como los panderos y con la que se han desarrollado técnicas muy expresivas y elaboradas durante este siglo. Esto se debe a la evolución del instrumento, pues ha pasado de ser de cerámica a ser de metal y afinable.

http://www.4shared.com/file/51212013/e5dea76e/08-TABLA___Track_03.html (Tabla = tambor)

http://www.4shared.com/file/57015293/9d4c5580/04_Solo_de_Derbarke.html


http://www.4shared.com/file/51212016/95b453e1/06-TABLA___Track_02.html

La Nahda

La Música Árabe
Por Álvaro Martínez León

La época Moderna: de la Nahda a nuestros días.La Nahda

A partir de el reinado de Ali Pacha en Egipto ( 1805 - 1848 ) el oriente árabe comenzó a despertar de su letargo para abrir sus fronteras económicas y culturales. La ciudad de El Cairo, que acogía por aquel entonces a turcos, europeos, sirios, libaneses y judíos magrebíes, fue enriqueciéndose poco a poco y con ello, fue haciéndose capital intelectual gracias al jedive Isma´il de el mundo árabe. Así, asistimos al renacimiento cultural de este mundo, que se denominaría la Nahda. Con la figura mítica de Abdu al Hamuli, se concretó este renacimiento en le campo de la música, con el precepto principal de aunar las culturas urbana y rural egipcias, así como adaptar elementos orientales al gusto egipcio.

En esta época la aristocracia fue una vez más la mecenas de la música. Cada miembro de la familia jedival traía músicos para tenerlos bajo su protección, así como la hermandad de los mawaliya. Así, prestigiosos músicos otomanos y sirios trabajaban en las cortes del Cairo junto a sus colegas nativos. Cabe destacar la gran influencia de la familia Shawwa, de Alepo, que desarrolló el violín occidental como instrumento fundamental para acompañar a los cantantes, creando también técnicas virtuosísticas para convertirlo en instrumento solista. La influencia europea fue bastante más discreta, a pesar de existir escuelas de música occidental y una ópera en la ciudad. Se apreció en la aparición de grandes formaciones de músicos y en la copia de los cafés-concierto franceses, pero nunca en las características estéticas.

Pero la música no sólo se desarrolló en la corte. La aparición del café-concierto daba la oportunidad a gran cantidad de músicos a expresar su arte. Éstos solían rivalizar en el arte del conocimiento de las muassahas de fondo sirio-egipcio acompañándose con panderos duff. Estos músicos también actuaban en la plaza de la mezquita y en la entrada de la medina. También se hacían conciertos en los quioscos de algunos parques y en grandes tiendas de campaña que se instalaban en la calle. Estos músicos no podían ejercer sin la autorización del shayj, que decidía, después de un examen, quién estaba lo suficientemente capacitado para el oficio y dónde se le permitía actuar. Esta figura desapareció con la llegada de la industria discográfica.


Existía también la figura de las almeas, mujeres cantantes que eran contratadas para fiestas y que estaban bastante separadas, artísticamente hablando, de sus colegas masculinos. Solían cantar canciones cómicas, eróticas o enseñando a la joven virgen cómo debía valorar su cuerpo a la hora de pedir la dote a su futuro marido. Algunas cobraban grandes sumas de dinero por cantar y actuaban alguna vez en ambientes cultos, pero en el extremo opuesto se encontraban la ghaziya, que además de cantar, bailaban y se prostituían si era necesario.


La música culta se solía interpretar en el salón de recepción de una mansión o en una tienda montada para tal efecto y comenzaba después de un ágape en el que los músicos participaban, haciendo relaciones con el dueño de la casa y con los invitados asemejándose su papel al de acompañante que se recuerda en el Kitab al Aghani. Se contrataba también al mutayb, que se encargaba de cobrar el caché y de lanzar interjecciones de ánimo a los artistas y suspiros de gusto durante la actuación. La velada constaba de tres waslas de una hora y media de duración cada una con largos entreactos para las relaciones sociales, siendo la última wasla ( la del amanecer ) la más apreciada, pues en ella los cantantes hacían gala de su máxima agilidad.
La formación instrumental constaba de entre 7 y 10 músicos: el mutrib o cantante solista; 3 o 4 coristas que acompañaban a éste en las frases comunes y le respondían en los pasajes responsoriales; el laudista, que hacía las mismas melodías que el mutrib; los tocadores de nay ( flauta ), violín y qanun ( cítara ) que hacían las partes instrumentales y acompañaban al coro en ocasiones; por último, el percusionista, que tocaba el tiqq ( pandero con sonajas ) en algunos pasajes. Las formas que más se utilizaban eran la wasla, la qasida, la muwassaha y el dor, formas de las que hablaremos en nuestro apartado de música culta.

Abduh al Hamuli fue la figura principal de la Nahda en el campo musical. Después de aprender con los mejores maestros de canto de el Cairo, se hizo famoso rápidamente en los cafés por sus composiciones y su manera de interpretar, combinando la tradición culta con algunos elementos populares. Esto le llevó a trabajar en la corte del jedive Isma´il, lo cual aprovechó para viajar a la corte turca y aprender el canto clásico otomano. Esto es consecuencia de que en aquel momento los intelectuales de la Nahda no llegaron a valorar el planteamiento del renacimiento musical, pues consideraban la improvisación o el lamento de origen beduíno como arcaísmos frente al canto otomano. Éste se veía como una expresión más elevada que favorecía el avance cultural que pretendía igualarse al Occidente imperial.

Kamil al Julai el único compositor de la época que dejó escritas sus reflexiones sobre la música, pero en la práctica se formó un verdadero renacimiento de la tradición creada por Ishaq al Mawsili y Zyriab entorno a la figura de Abduh al Hamuli.

De esa época una de las canciones más clásicas son Alf leila wa leila, de hecho la prestigiada cantante Um Khaltoum interpreta esta melodía también. Acá ponemos dos enlaces con unas de las tantas versiones de esta famosa canción.

http://www.4shared.com/file/52468275/634fb447/Alf_leila_wa_leilah-Ruh_cd.html

http://www.4shared.com/file/48457605/5c1ebf0a/Alf_lela_wa_lela_1_.html

Zeina ya helwa

http://www.4shared.com/file/51209124/bb34a588/01_Zeina_Ya_Helwa.html

La Música Árabe

Ibn Sina (Avicena)

¡La razón esta por encima de la fe, en cuanto que (como dice Ibn Sina) Dios es Razón,la fe es una cualidad humana, no divina!

Este filósofo de finales del S. X y principios del XI es una de las mayores figuras de las filosofías árabe y latina medieval. La cantidad y diversidad de temas que trata en sus libros le convierten en figura principal de la historia del saber. Su referencia a la música se halla en uno de sus libros como conclusión a un trabajo sobre matemáticas.

Ibn Sina habla de las consonancias y disonancias, de los intervalos, de los géneros, los modos rítmicos y melódicos, de la métrica, de la poesía... Es en realidad una síntesis del trabajo de Al Farabi. Difiere de éste en la especulación sobre el origen de la música: ésta se encuentra en los animales ya que les es necesaria para el cortejo, esto es, para la perpetuación de la especie. Al Farabi la relacionaba con la manera que tenía el hombre de distraerse del trabajo duro.

La principal aportación de Ibn Sina al estudio de la música es la aparición de el tarkib, probablemente la primera forma de polifonía constatada en la historia. No queda muy claro si el autor la concebía armónica o melódicamente, pero está incluida como recurso ornamental junto al glissando y los floreos. Consiste en añadir una nota por debajo, a una distancia de octava, quinta o cuarta, a algunas notas fundamentales dentro de una melodía. También es destacado su estudio sobre la relación entre el ritmo y la prosodia, y por negar la relación de la música con los planetas por no tener un rigor científico, así como la relación de ésta con estados mentales.

Artículo recopilado por la autora de este blog, escrito por: Álvaro Martínez León

Khaled "el rey del Rai"

Khaled es reconocido por unanimidad como el Rey de Rai, por sus éxitos mundiales tal como 'Didi' y 'Aïcha'. Su música es una invitación irresistible para embarcarse en un viaje alrededor del mundo, donde la música raï se mezcla de forma alternativa con el reggae, el funk, el flamenco, el calypso hasta los cantos de Europa del Este.
Tras cinco discos de éxito, Khaled presentará su nuevo álbum, 'Ya Rayi', una genuina "vuelta a las raíces". Vuelve a la esencia de la música rai, invita a descubrir o redescubrir toda la magia raï y transporta directamente al típico cabaret argelino, aquellos cabarets donde él actuaba en su ciudad natal de Oran al comienzo de su carrera. "En mi mente yo quería regresar al rai 100%. Quería regresar a los estilos antiguos para volver a sentir la esperanza", dice Khaled.

Noticias de él.

El rey del raï pudo, finalmente, dar su primer concierto en Argelia

Después de catorce años de exilio, Cheb Khaled dio su primer recital en Argel frente a cien mil personas; el cantante, que se nacionalizó francés, está amenazado por grupos radicales en 1994, Cheb Hasni, otro cantante de raï, fue degollado frente a su casa.
Cheb Khaled, el cantante argelino conocido como el "rey" de la música argelina "raï", dio su primer concierto en su país natal, después de catorce años de ausencia, delante de un público estimado en 100.000 personas.
Compuesto mayoritariamente por jóvenes en ropa deportiva y occidental, el público llenó el estadio Harcha, en Argel, para bailar y divertirse durante tres horas.
Khaled, que nació en Orán, comenzó su carrera de cantante muy joven y partió en 1986 para Francia, donde obtuvo la nacionalidad, y actualmente vive en París. El y sus compañeros de la canción raï, expresión musical con temas sociales y políticos sobre un fondo musical de origen folklórico, habían sido objeto de persecución por parte del Frente Islámico de Salvación (FIS), formación islámica argelina, lo que los obligó a expatriarse.
Cheb Hasni, otro de los cultores del raï, fue asesinado a los 26 años, delante de su casa de Orán, en 1994, justo un año antes de que comenzara la guerra civil argelina. Era el momento en que las fuerzas armadas pretendían prevenir una eventual victoria del FIS en las elecciones, argumentando que se trataba de un partido extremista que pretendía instaurar un Estado islámico en el norte de Africa.

Cheb Khaled volvió a Argelia en noviembre de 1999, en ocasión de un proceso en su contra establecido por la Sociedad Zed-el-Youm por un problema de derechos de autor. Cuando murió su padre, su familia le aconsejó que no asistiera a los funerales por razones de seguridad.
Khaled declaró, antes de dar su concierto en Argel, que ésta sería una prueba para una posible gira posterior por el país. La acción terrorista islámica no se debilitó en Argelia -prueba de esto son las numerosas víctimas que caen todos los días-, a pesar del programa de amnistía establecido por el presidente Bouteflika y por el que numerosos militantes islamistas habrían depuesto las armas.

El Rai

Por Álvaro Martínez León
La Música Folklórica

El Raï
Nacido en Argelia, esta es la música árabe que actualmente tiene más proyección en Occidente y norte de África. El término significa opinión, y tiene una orientación reivindicativa contra la represión moral de la dictadura de y las injusticias sociales de este país. Algunos de estos artistas han sido encarcelados e incluso asesinados, como Cheb Hasni, y otros viven en el exilio como Cheb Khaled o Cheb Mami.
El origen del raï se encuentra en la música que realizaban los cheikhs en el cambio del siglo XIX al XX en las áreas costeras de Argelia, mezclando la tradición clásica árabe con los potentes ritmos bereberes. En un principio esta música sólo buscaba divertir al público y era apolítica, a excepción de Hamada, que fue ejecutada por las críticas que hacía a los gobernantes franceses del momento. Durante las primeras décadas del S. XX, buena parte de la población de Argelia emigró a las ciudades, creándose suburbios pobres que pronto comenzaron a reivindicar mejoras sociales. En los alrededores del puerto de la ciudad de Orán surgieron las cheikhas, mujeres ( prostitutas en su mayoría ) que tomaban la tradicion musical de los cheikhs para ponerles letras que criticaban abiertamente a la clase social dominadora, empleando el argot propio de la ciudad en vez de la elaborada poesía de sus colegas.
La más conocida de estas mujeres, exótica y sensual en su juventud, era Cheikha Rimiti, que realizó su primera grabación en 1936. Esta mujer es una leyenda viva que todavía hoy sigue actuando en público y que ha hecho colaboraciones con músicos occidentales tales como Flea, de Red Hot Chili Peppers.
Con la independencia argelina en 1962 y la subida al poder del régimen marxista de Boumedienne, el raï se consideró casi fuera de la ley e incluso fue oficialmente prohibido, aunque se mantuvo en los ambientes clandestinos. Ahmed Saber, satirizó en sus canciones a la administración Boumedienne, lo que le costó varios encarcelamientos y morir pobre.
La llegada del cassette en los años 70 y la introducción de instrumentos y ritmos occidentales a finales de los 60 de la mano de Bellemou Messaoud y Belkacem Boutedja, esta música conoció un nuevo auge. Artistas como los hermanos Rachid y Fethi Baba Ahmed se convirtieron en la voz de la juventud, preparando el camino para la etapa contemporénea del raï. ësta comenzo con el gran éxito de Chaba Fadela "Ana Mahali Noum", un disco que mezclaba el realismo social de las cheikhas con el sonido moderno del raï. En el primer festival de esta música que se hizo ( en Orán ), Cheb Khaled, fue proclamado "rey del raï", título que mantiene hasta hoy, pues desde entonces sus discos se han vendido en todo el mundo sobrepasando la cifra del millón en varias ocasiones. Tanto él como Cheb Mami, Cheb Hasni o Abdel Ali Slimani, son hoy la voz de la juventud argelina oprimida y de los inmigrantes magrebí en Europa.

Ejemplos:

http://www.4shared.com/file/52088440/182493ce/01_Moi_et_Toi.html

http://www.4shared.com/file/52089843/308b5c75/05_Intil_Waheeda.html

http://www.4shared.com/file/51209123/2550302b/02_-_Latif_el_idrissi-ya_rayah.html

Tamer Hosny

Tamer Hosny,

Su grupo en hotmail, http://groups.msn.com/tamer-hosny/biography.msnw

En http://www.nogmi.com/, está disponible el nuevo disco de Tamer Hosny . Arrab kaman (Acercate también), lo pueden descargar en mp3 y formato RM así como scuchar los sencillos.

Sus sencillos son:

Arrab Kaman (Acercate también) - 14 Songs :01. Ma Twassnesh02. Dayeb03. Bekelma Netsaleh04. Arrab Kaman05. Eskoti06. Eftekerli07. Ya Ta3ebny08. Alby Elly Habbak09. Esma We Naseeb10. Ba3eed 3an 3eny11. Heya Di12. Ayam Zaman13. Rooh Alby14. As3ab Ehsas

Disfrutenlo y ya lo estaremos comentando.

Rap, la voz del Medio Oriente.

DAM lanzó su nuevo sencillo en hebreo, para hablarle al público israelí.

"Nuestro mensaje es de humanidad, pero también es político. Hacemos música de protesta", dice Tamer Nafer, líder del grupo de hip hop palestino DAM.
"Mi misión es hacer saber al mundo nuestro lado de la historia", dice el músico de rap israelí MC Subliminal.

Si el rap desde sus inicios fue el medio para hablar sobre los conflictos y los problemas sociales de los ghettos de Nueva York en la década de los 80, ahora se ha convertido en un vehículo para las opiniones de adolescentes en el Medio Oriente.
Tanto para Nafer como para el MC Subliminal, la música es su propia manera de hacer política.
Conexión

"Los árabes ya saben cómo viven. Ahora tenemos que educar a los israelíes sobre lo que está sucediendo " Tamer Nafer

DAM proviene de la ciudad palestina de Lod y, a pesar de no tener un contrato con una compañía discográfica, su canción "Min Irhabi?" (en español, "¿Quién es el terrorista?") fue descargada de internet por un millón de personas.

Según Nafer, su grupo eligió el rap porque "la gente negra en Estados Unidos estuvo oprimida por cientos de años. Por eso nos sentimos conectados con su música".
Sus conciertos en vivo presentan imágenes de soldados israelíes enfrentándose con jóvenes palestinos que les lanzan piedras.

DAM decidió sacar su último sencillo en hebreo, con las esperanzas de llevar su mensaje al público israelí.

"Los árabes ya saben cómo viven. Ahora tenemos que educar a los israelíes sobre lo que está sucediendo", dice Nafer.

"Guerra de palabras"

MC Subliminal utiliza la estrella de David como imagen.

Mientras tanto, en Israel el MC Subliminal -también conocido como Kobi Shimoni- ha mezclado la iconografía del hip hop estadounidense de joyería de oro y automóviles de lujo con la estrella de David y una dosis de nacionalismo israelí.

"Es una guerra de palabras", explica.
MC Subliminal se define de tendencia política de derecha y sus canciones llaman a los políticos israelíes a la unidad. Su último álbum ha vendido 54.000 copias, un número considerable en un país pequeño como Israel.

Para el rapero israelí, "aquí las palabras son muy militantes, como la situación en la que vivimos".

Hip-Hop en árabe.

Del Medio Oriente, a ritmo de rap, Omar¨z alias Petroleum. Del grupo Arabian Nigthz, A- Rush (Izq.)

Arabian knigthz. (Grupo egipcio, abajo)

HIP-HOP ÁRABE, POESÍA AGUERRIDA.

En Estados Unidos, Francia o Gran Bretaña, tierras fértiles para el rap y el hip hop, el fenómeno del hip hop islámico ha ido creciendo. Varios raperos en las junglas de asfalto de Los Angeles, Londres o París se han convertido al Islam y otros tienen raíces musulmanas.

Esta música siempre ha sido un instrumento para ventilar frustraciones y criticar al sistema desde la marginación de las urbes, muchas veces con el uso de lenguaje fuerte y palabras altisonantes.

Por eso muchos dudan que el Islam y el hip hop sean compatibles. Los más conservadores inclusive señalan en el sitio de la BBC, que esta mezcla tiene un potencial blasfemo, el profeta Mahoma se hubiera opuesto a esta mezcla. En una región tan convulsionada como el Medio Oriente, ¿existe este fenómeno y cómo es visto?

Nacimiento palestino

Lejos de las melosas baladas románticas del iraquí Kadhem Al Saher o las percusiones programadas para mover las caderas de la libanesa Nancy Agram, hay ahora una opción para aquellos que quieren hablar de algo más comprometido con la realidad del Medio Oriente.

El hip hop árabe es un fenómeno relativamente reciente.

"Desde 1998 la gente empezó a rapear, pero empezamos a madurar para el mercado hace unos 3 o 4 años apenas", le dijo a BBC Mundo A-Rush, también conocido como Seifalá o la espada de Dios, integrante de la banda egipcia Arabian Knightz, formada en diciembre de 2005.
Egipto, centro de producción del entretenimiento en Medio Oriente, no fue pionero en el género.
"Fue en Palestina donde empezó, debido a las condiciones negativas en las que viven. Después Marruecos y Argelia por su cercanía con Europa y la influencia del rap francés. Luego Líbano y Egipto", añadió A-Rush.

¿Árabe o islámico?
Varios grupos de hip hop islámico en Occidente, como los británicos Mecca 2 Medina, llevan el mensaje religioso como estandarte de su música, por una necesidad de "limpiar" de violencia y sexo el estilo tradicional de este género musical.

Claro que somos musulmanes, pero a fin de cuentas nuestro movimiento es mucho más que árabe e incluye un mensaje más global, dirigido a otras religiones también: cristianos, judíos, o cualquiera que crea en Dios

Hossam, el Faraón del GhettoPero, ¿es el caso en los países árabes, donde la mayoría musulmana y el conservadurismo social y musical no han creado la necesidad de combatir frontalmente la presunta decadencia moral?

"Claro que somos musulmanes, pero a fin de cuentas nuestro movimiento es mucho más que árabe e incluye un mensaje más global, dirigido a otras religiones también: cristianos, judíos, o cualquiera que crea en Dios", dijo a BBC Mundo Hossam, alias el Faraón del Ghetto, otro miembro de Arabian Knightz.

Varias de sus canciones instan a los árabes, con un ritmo pegajoso y rimas a toda velocidad, a levantarse y unirse contra la injusticia. Pero, ¿cómo responden estos raperos a los argumentos de que el Islam y la música como el hip hop son incompatibles?

"Para nada, porque el hip hop es ritmo y poesía y el Corán también es poesía", respondió Sphinx, otro miembro de la banda Arabian Knightz, quien creció en la ciudad de Los Angeles.
Y agregó: "Los musulmanes fuimos los primeras poetas, así que estamos regresando a nuestros orígenes al difundir el mensaje de esta forma. Claro que no es el mismo nivel, pero es la mejor interpretación para los que no nos entienden."
"Con nuestras letras queremos probar que no somos terroristas, que nuestra religión tampoco lo es, y que en cualquier parte del mundo hay bueno y malo."
Aguerridos pero con "baggies"

Omarz, un rapero libanés, vivió de cerca esta última guerra contra Israel y vino ahora está en El Cairo para una visita familiar. Él define su mensaje como más islámico que nacionalista, pero incluye a todos los oprimidos.

A-Rush, alias Saifula o la "Espada de Dios", uno de los artistas en acción.
"El hip hop es mi forma de desfogarme. No estoy tratando de ser civilizado, honestamente. Cuando estoy en el micrófono, es mi momento de furia", señaló el rapero.

La BBC le preguntó entonces si su ropa, jeans holgados -conocidos como "baggies"- y una camiseta de un equipo de baloncesto estadounidense, no le parece demasiado occidental y contradictorio con lo que reclama en sus canciones.

"No vale decir que me visto con ropa agringada, porque entonces deberíamos todos de llevar una chilaba y un turbante", me aclaró el rapero, también conocido como Petrolium.
"Muchos árabes llevan pantalones de mezclilla, aunque no tan holgados. Para mí es parte de mi cultura, yo formo parte del hip hop internacional, y éste es mi uniforme, no el de Estados Unidos", concluyó Omar-z.

"Es cierto que en Egipto te miran raro si llevas baggies", añade A-Rush, "pero en cualquier otra parte te miran raro si no los llevas puestos".

Superando el comercialismo

Por ahora el mercado no es grande para bandas como Arabian Knightz o Petrolium. Sin duda los intereses comerciales guían a la industria, aquí como en cualquier parte del mundo. ¿Pero por qué el hip hop no ha pegado como en otros países?

La difusión del hip-hop árabe nació en los territorios palestinos y se difundió rápidamente por el resto de Medio Oriente.

"Porque los grupos previos sólo han imitado en Estados Unidos, sin adaptarlo a lo que nos pasa. Siento que cuando haya alguien que represente a los árabes, con sus luchas reales, será diferente", explicó el Faraón del Ghetto.

"Y el hip hop está hecho para eso, poesía hablando de la sociedad con profundidad", agregó.
Arabian Knightz no han querido ceder ante las presiones de volverse más comerciales, y por eso no es extraño que hayan sido invitados al extranjero, donde el público es más curioso y maduro.
Recientemente estuvieron en Dinamarca. "Les gustó mucho la combinación de árabe y hip hop. Dijeron que era un idioma muy poético", dijo A-Rush a BBC Mundo.

La juventud árabe está ávida de cambios. "Hay muchos chicos que no hablan inglés y ahora están rapeando en árabe",

Para escuchar hip-hop árabe:

http://www.4shared.com/file/56767893/3380ffc1/Ahmed-Meky_-_Ged3an-Tayben.html

Hip-hop religioso:

http://www.4shared.com/file/56754168/790ed437/3El3abd_w_Elshetan.html

Y para ver el video de una canción que está sonando mucho en esos lares.

http://www.youtube.com/watch?v=SISBf0p2SFA

Ishtar Alabina

Ishtar.

Fusionando los sonidos del Mediterráneo en especial el flamenco y la sensualidad de la música árabe, Ishtar Alabina ha estado dejando su marca en ambos lados del Atlántico con más de un millón de copias bendidas de manera casi hechizante.

El inicio:

Nació en Israel, hija de madre egipcia y padre marroquí con raices españolas. Ella y sus dos hermanas hablan árabe y hebreo como lenguas natales, desde una edad temprana y fueron rodeadas por la música desde la niñez. Obtuvo su nombre de su abuela, Ishtar corresponde al nombre de una diosa de la fertilidad designada para soñar con la perfección de la mujer.

Sus primeros pasos:

empezó en su país a los 14 años. A los 20 ya había visitado un buen número de países incluída Australia, y había estado en varios montajes de clubes. Su talento vocal se conjugan con la belleza y carisma lo que la hizo un hit inmediato a nivel mundial.

A este respecto ella dice: "Como el mundo se hace más pequeño, es fácil imaginar ser un artista internacional, uno para quien su música no tenga fronteras, que no se vea afectado por los distintos idiomas o desfazado en las danzas extranjeras. Mi música es música del pasado, actualizada para el presente y el futuro."

Ishtar-Alabina.

El talento se fusiona.

A su regreso a Israel, Ishtar hizo una parada en Francia para visitar a un amigo y se enamoró del país, lo amó y lo hizo su hogar.

Luego de sus exitos su productor le presentó a un grupo gitano llamado, Los Niños de Sara, Ishtar se unió a ellos, ahora se llaman Ishtar-Alabina y así crearon una fusión multicultural, mezclando el árabe, español, hebreo, francés y el idioma propio de los gitanos, al mismo tiempo sus letrasse cantan en los mismos idiomas, su sonido también es una mezcla entre tambores eléctricos, laúdes, y otros instrumentos lo que les dio instantánea popularidad. NO necesito añadir que Ishtar-Alabina cruzó las fronteras geográficas y lingüísticas.
Entre sus canciones más famosas están, ‘Alabina’, ‘Ole y Ola’ y ‘Habibi de Mis
Amores*

Su sitio oficial es www.alabina.info (en inglés). Vinculos al final de esta sección. (Escucha algunas de sus canciones).

Saidi, base para Raks asaya.

SAIDI

El saidi es la base para la lo que se conoce como Raks asaya o danza del bastón, este ritmo toma su nombre de una región del Alto Egipto, entre Gizeh y Edfu, conocida como Said. Esta danza se ejecuta enérgicamente, moviendo el bastón graciosamente, y de acuerdoa Sarat, lo que le enseñaron en Egipto fue que esta danza, no debe ejecutarse con muchos saltos, sino que debe ser más terrenal.

Hay dos tipos de danza saidi con bastón: Raks Assaya y Tahtib. El Tahtib representa una danza de combate con armas, Raks Assaya es bailado por hombres o mujeresimita ligeramente al Tahtib.

Hay que anotar además que el saidi como ritmo, es el más conocido en las canciones egipcias, muy usado en el folklore y en lo moderno, lo que nos da la pauta para distinguir si se ha de bailar con bastón o no, es decir si la canción es propia para el Raks azaya es el Mizmar, un instrumento parecido al fagot.

La estructura del ritmo saidi es Dum-Tak--Dum-Dum-Tak.

Ej. Luxor baladna, ideal para ser bailada con baston.
http://www.4shared.com/file/51966664/67f3633c/Luxor_baladna-version_larga.html

Habibi ya eini, en una de sus versiones, con saidi de fondo, pero no para bastón.

http://www.4shared.com/file/52754015/bd737069/01_Habibi-ya-Aini.html

Saidi, base para Raks asaya.

SAIDI


El saidi es la base para la lo que se conoce como Raks asaya o danza del bastónMe ha mandado Direy este video y me ha encantado, os lo pongo para que también disfruteis de el. Para los que aún no saben que es:El Saidi es la musica, el ritmo, el baile es "RAKS ASSAYA" DANZA CON BASTÓN.La danza saidi proviene del Alto Egipto, entre Gizeh y Edfu. Habitualmente una danza saidi es vital, energética.Hay dos tipos de danza saidi con bastón: Raks Assaya y Tahtib. El Tahtib representa una danza de combate con armas. Raks Assaya es bailado por hombres y/o mujeres y es una versión más acrobática de utilización del bastón. La versión femenina de la danza con bastón, por supuesto, es mucho más femenina y graciosa, y sólo imita ligeramente al Tahtib.

Música Africana

Africa es un contienente con un rango de diferencias étnicas, culturales y lingüísticas enorme.

Una descripción general de la llamada música africana no sería posible dada la cantidad y diversidad de expresiones. Sin embargo, hay similitudes regionales, así como tendencias que son constantes a lo largo y ancho del contienente.

La música del norte de África y partes de la región del Sáhara tienen una conexión a la música del medio este europeo más que a la de la región sub-sahariana, es la música árabe, procedente de paises como Egipto, Libia, Tunez, Marruecos, Argelia... Por otra parte, la música y la danza de la diáspora negra (música caribeña y latinoamericana) como la rumba y la salsa,así como la música de los afroamericanos, fue tomada de varias tradiciones africanas trasladadas por los esclavos que fueron llevados distintos puntos del mundo.

Complejidad rítmica

La música de la zona sub-sahariana tiene una característica especial (Rítmica en cruz) que la distingue por la complejidad rítmica en relación a otras regiones, en especial a la zona latinoamericana.

El aspecto remarcable de la polirritmia africana hace discernible y coherente el resultado posterior de los patrones rítmicos.

Escalas y polifonía

Los sistemas de escalas varían entre regiones, existen escalas diatónicas, pero también otras formas como la escala pentatónica. Los intervalos suelen ser muy distintos a aquellos encontrados en la música europea.

El tono polifónico existe en la forma de intervalos paralelos (generalmente terceras, cuartas y quintas) reinterpretando la antifonía coral y la respuesta solo coral, y de manera ocasional melodías simultáneas e independientes.

Y como ejemplo,

http://www.4shared.com/file/45993573/6fa13ae9/11_-_African_Rhythm_Travellers_-_Khululuma.html

Maqam o Makam

El maqam, en plural maqamat y en turco, makam, es un modo de estructura musical que caracteriza las expresines artísticas del Norte de Africa, el Cercano Oriente y el Centro de Asia. En esta zona distinguimos tres grandes culturas con su mísica, todas ellas pertenencientes a la familia del maqam, éstas son: la turca, la árabe y la griega.

En la música árabe, un maqam (o maqamat), es un conjunto de notas que con sus tradiciones define la relación entre ellas, habitualmente su parentesco se distingue por el desarrollo d ela melodía. Maqamat son mejor definidos y entendidos en el contexto del rico repertorio música árabe. El equivalente más cercano en la música clasica de occidente, sería el modo. (Ej. mayor, menor, etcétera)

El maqam Rast

El maqam Rast turco, similar al árabe, consiste en una escala específica de intervalos y un repertorio de motivos y melodías sobre esa escala: es decir, un modo.
La escala de intervalos es, para una octava -- si T es tono grande, t tono pequeño, S semitono grande, y s, semitono pequeño--:
Al subir ====> T-t-S-T-T-t-S
Al bajar <==== T-t-S-T-T-s-T Estas escalas admiten una estructura: dos Géneros, o sea, dos subescalas cuyo ámbito es de una quinta o una cuarta; son como los antiguos tetracordios y pentacordios griegos. Al subir: pentacordio Rast: T-t-S-T + tetracordio Rast: T-t-S Al bajar: pentacordio Rast: T-t-S-T + tetracordio: Nahawand: T-s-T Es decir la estructura de la primera parte de la escala tiende a repetirse a una quinta superior, variando al bajar esta segunda, Si tomamos como referencia la nota DO occidental, estos intervalos corresponden a la escala de notas para la octava, siendo las mayúsculas notas normales en nuestra cultura, y las minúsculas nuestras notas algo bajas: Al subir ====> DO-RE-mi-FA-SOL-LA-si - DO
Al bajar <==== DO-RE-mi-FA-SOL-LA-SIb- DO Las notas en negrita, extremos de los géneros del maqam, son bases o puntales de la escala y el modo. Los motivos recaen en ellas con freceuencia, sobre todo al acabar. Podemos aceptar DO y SOL que corresponden a nuestra tónica y dominante en Do Mayor. Pero no hay acordes ni armonía, sólo melodías. Escritura y Afinación Rast, como otros modos, se escribe en cada área de modo diferente: En Turquía se basa en el sonido Do occidental (piano) pero escrito sobre SOL en el pentagrama, clave de Sol. En el mundo árabe se basa también en el sonido Do occidental (piano) pero escrito sobre DO, como lo haríamos nosotros. Esas culturas retocan algo el sonido para adaptarlo a una voz o instrumento determinados, de modo que la base es algo flotante en su afinación. También puede Rast transportarse y basarse en los sonidos SOL o FA, etc, siempre a notas que permiten su ejecución sencilla en las instrumentos tradicionales: como estos están afinados por cuartas o quintas, esos son también los transportes habituales. Por ejemplo, Rast sobre SOl: Al subir ====> SOL-LA-si - DO-RE-MI-fa#-SOL
Al bajar <==== SOL-LA-si - DO-RE-MI-FA-SOL

Taqsim

TAQSIM; es el nombre de una improvisacion melodica, que puede ser metrica o no metrica, usualmente precede a una composicion en la musica arabe o la turca, generalmente por un solo instrumento aunque a veces, este solista puede ser acompañado por un percusonista u otro tipo de instrumento solo... tambien puede ser acompañado con la voz, este estilo se llama layali

El taqsim es un claro ejemplo del arte de la improvisaciòn en un especifico maqam, pero generalmente las modulaciones de otros maqams están presentes en el taqsim.

A partir de la tónica del maqam, las primeras medidas de la improvisación siguen siendo en la parte inferior de "ajnas", el maqam*, que al presentar el maqam al oyente. Tras la introducción, el improvisador es libre de moverse en cualquier parte del maqam, modular el m,aqam e incluso llegar a otros maqams, siempre y cuando regrese al original. Taqsim es considerado por muchos, una conexión con el mundo espiritual. Si bien la realización de un Taqsim, uno se siente impulsado por una fuerza externa, quien lo interpreta, lo hace como una expresión divina para sí.

*Explicación del maqam, en plural maqamat en una entrada posterior.

Descarga, Taqsim Rasda:

http://www.4shared.com/file/51844482/80277a7/01_Taqsim_Rasd.html.